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Una conversación con el fotógrafo de bellas artes Ken Rosenthal

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Ken Rosenthal recibió su MFA en fotografía de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1993. Su obra de arte está representada por Klompching Gallery, Nueva York; Galería Etherton, Tucson; Galería Gerald Peters, Santa Fe; Galería Dolby Chadwick, San Francisco. Las fotografías de Rosenthal se encuentran en muchas colecciones públicas y privadas a nivel internacional, incluida The George Eastman House, Rochester, NY; Museo de Bellas Artes, Houston; Instituto de Arte de Chicago; Galería Nacional de Retratos, Londres; Smithsonian National Portrait Gallery, Washington DC; Museo de Bellas Artes, Boston; y la Colección de Fotografía Suroeste y Mexicana de Wittliff Collections, San Marcos, Texas, que recientemente estableció una importante colección de su trabajo.

Desde 2002 su trabajo ha aparecido en más de 150 exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional. La primera publicación del trabajo de Rosenthal, Ken Rosenthal Photographs 2001-2009, se lanzó en 2011 y se incluyó en la lista de los mejores libros de 2011 de Photo-eye.

Ken Retrait

PetaPixel: Primero Ken, hablemos de sus primeros días como fotógrafo. Lo que los artistas y mentores influyeron en su estilo y filosofía hacia la creación de imágenes?

Ken Rosenthal: He tenido la suerte de haber sido guiado por algunos mentores increíbles a lo largo de los años. Sid Avery fue uno de mis primeros mentores. Sid primero miró mis fotografías cuando estaba en la escuela secundaria, y fue la primera persona en el medio que realmente me animó a buscar fotografías.

Como estudiante universitario en la Universidad del Sur de California, estudié con Robbert Flick. Robbert tuvo un papel tan importante como cualquiera en ayudar a dar forma al artista en el que me convertiría, y me enseñó a pensar en las imágenes en su relación con un cuerpo de trabajo en general en lugar de solo fotografías individuales.

Trabajé como impresor para Arnold Newman entre mis títulos de pregrado y posgrado. Newman había sido una gran influencia para mí, por lo que fue totalmente surrealista ir a Nueva York para una boda y terminar conociéndolo y conseguir un trabajo imprimiéndole una semana después de graduarme de la universidad. Aprendí una gran cantidad de técnicas de cuarto oscuro de él y aprendí buenas prácticas comerciales y el valor de una fuerte ética de trabajo.

Recibí mi MFA de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde estudié con tantos artistas / educadores increíbles: Ken Josephson, Barbara Crane, Joan Fontcuberta, Mark Alice Durant y Fred Endsley, entre otros.

Los artistas que más me influyeron fueron Robert Mapplethorpe, Diane Arbus, Arnold Newman, el primer trabajo pictórico de Edward Weston, las películas de David Lynch y Wim Wenders.

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PP: Cuando eras un prometedor, qué consejo era más valioso para ti?

KR: El consejo que viene a mi mente es de mi amiga Swanee (Mary Virginia Swanson), quien me enseñó la importancia de “la compañía que tienes”.”Esto ha sido especialmente útil cuando se trabaja con galerías, ya que es muy crítico encontrar galerías y galeristas que se adapten bien a usted (y viceversa.)

De la serie Seen and Not Seen, # 409-3

PP: Tiene una cartera en su sitio web llamada 2001-2009 que se compone de seis cuerpos de trabajo individuales pero interrelacionados. Detrás de todos estos proyectos, hay un tono estético y emocional constante que los une. Describiría este tono como un sueño; no totalmente basado en la realidad, poético y a veces surrealista … ¿Qué hay detrás de esta forma de ver el mundo??

KR: Gran parte del trabajo de 2001-2009 está unido por mi interés en la relación entre fotografías y memoria, y cuántos de nuestros recuerdos están formados e informados por fotografías (así como sueños e historias.)

Supongo que siempre me ha interesado menos una representación o recuerdo literal o realista que en cómo percibo o recuerdo algo. O, tal vez, cómo me gustaría recordar algo. Mi trabajo tiende a ser bastante autobiográfico, pero también puede tomar una lectura más universal al eliminar gran parte de la especificidad mediante el uso de la difusión.

Es la esencia de la imagen con la que quiero que el espectador pueda relacionarse, en lugar de los detalles. Creo que esto permite un punto de entrada más interesante.

niebla en el lago

PP: Algunos lectores pueden estar interesados en su proceso. Hable sobre la realización de estas imágenes: el disparo, la impresión, etc. – ¿La “suavidad” de sus imágenes proviene de una técnica de cámara en particular??

KR: Todas las imágenes se toman en película en blanco y negro (principalmente 120 mm) y se enfocan. Esto me permite controlar el grado de detalle que quiero permitir en la imagen.

Las impresiones están hechas de papel a base de fibra en un cuarto oscuro húmedo tradicional, y requieren bastante mano de obra. Hay dos baños de tonificación separados, así como algunas tonificaciones selectivas y blanqueamiento selectivo. Si bien mis impresiones se publican en ediciones, la naturaleza de mis técnicas de tonificación hace que cada impresión sea única. Cómo logro la suavidad, o desenfoque, no es algo que discuta.

PP: A lo largo de sus imágenes nos encontramos con figuras oscuras y gestos inusuales, y siento una fuerte sensación de ambigüedad al tratar de traducir su trabajo en significado. Mencioné el término “surrealista” anteriormente. ¿Crees que el surrealismo es una descripción precisa de este trabajo??

KR: No estoy seguro de si el surrealismo es una etiqueta precisa, aunque definitivamente hay cualidades surrealistas en el trabajo. Muchas imágenes no se definen fácilmente, y muchas tienen un tenor muy diferente dependiendo de cómo se secuencian y presentan.

Hay muchas figuras oscuras y siluetas en la serie. Algunas de estas cifras representan incidentes difíciles o traumáticos en mi vida. Tuve una experiencia cuando tenía unos 19 o 20 años que fue muy traumática. Estaba saliendo de un cajero automático, y en mi visión periférica vi una figura corriendo hacia mí. Era tarde en la noche, así que fue realmente borroso. Este tipo saltó a mi auto por la ventana y presionó un cuchillo en mi cuello. Mi auto se estrelló contra un contenedor de basura, y él exigió mi dinero que le di. Luego tomó las llaves de mi auto y las arrojó lejos al estacionamiento. Me dijo que no me mudara durante media hora o que me matarían. Luego, un automóvil llegó al estacionamiento muy rápidamente, y él saltó y se fue.

Los detalles visuales precisos reales del evento se han olvidado en su mayoría, o tal vez se han bloqueado. Pero quedan ciertos detalles: la sensación de que algo malo estaba por suceder; la figura sombreada corriendo; La sensación del cuchillo presionándome; y la sensación de aislamiento absoluto e incertidumbre después de que el auto se fue y miré al estacionamiento, una luz ámbar iluminando el lote, sabiendo que tenía que salir corriendo e intentar encontrarme las llaves. El poder de este recuerdo para mí está en esas débiles impresiones, esos pocos detalles que persisten. Y creo que esas son las cualidades que intenté evocar en las obras de esas series “.

PP: Esa es una historia increíble Ken. Parece que esa sensación de aislamiento que mencionaste impregna tus fotografías. La borrosidad de ellos realmente ayuda a apoyar ese sentimiento también, porque con sus imágenes estoy buscando algo enfocado, algo seguro para bloquear mis ojos y no lo estoy encontrando. Me pone en un lugar un poco incómodo, y así es como me siento cuando busco mis propios recuerdos. ¿Es esto lo que esperas que los espectadores le quiten a tu trabajo??

KR: Eso definitivamente es parte de eso. La sensación de inquietud a la que hace referencia es ciertamente algo en lo que estoy aprovechado, y enfatizo conscientemente a través del uso de desenfoque, tonificación, etc. Espero que el trabajo evoque recuerdos para los espectadores, y no solo los recuerdos sentimentales o nostálgicos. Tiendo a hacer y seleccionar imágenes que se vinculen con los recuerdos de mi propia infancia, y tratar de hacer conexiones con la forma en que esos recuerdos y experiencias de mi juventud han dado forma a mi desarrollo, psique e intereses.

PP: De alguna manera, puedo leer sus imágenes como si fueran imágenes de una película de terror; alguna vieja película muda negra de hace mucho tiempo. ¿Sientes que tu trabajo tiene una relación con el cine??

KR: Absolutamente lo hago. Mi licenciatura es en fotografía fija de la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad del Sur de California. Tuve que tomar bastantes cursos de cine como parte del plan de estudios. Crecí viendo películas antiguas en un televisor de blanco y negro que tenía en la habitación cuando era niño, y el cine negro ha sido una influencia durante mucho tiempo. Mi serie Ghosts , en particular, contiene muchas referencias cinematográficas y está informada por el cine negro.

PP: Usted publicó este trabajo en forma de libro hace unos años. ¿Puedes hablar sobre tu decisión de hacer un libro?? ¿Qué esperabas sacar de eso?? ¿Cómo difiere la experiencia de ver su trabajo en ese formato, en lugar de una exposición o en línea??

KR: En 2011 tuve una exposición individual en el sur de California que examinó el trabajo que había producido en los últimos diez años, con énfasis en las obras difusas. Todavía no había publicado una publicación de mi trabajo, y la exposición parecía la oportunidad perfecta para armar un pequeño libro de esos cuerpos de trabajo.

Esperaba que expandiera mi audiencia y condujera a algunas nuevas oportunidades. Poco después de su publicación, Klompching Gallery me contactó y varios meses después tuve el honor de ser representado por ellos. El libro también fue una forma de reconocer esas series en un momento de mi carrera en el que comenzaba a trabajar en un estilo muy diferente y me permitía avanzar. Tengo la intención de seguir una monografía de ese trabajo en algún momento futuro, pero en este momento estoy muy involucrado en varias series en las que he estado trabajando durante algún tiempo.

Ver mi trabajo en formato de libro es una experiencia muy diferente de ver imágenes en línea o en una exposición. Cada uno tiene sus beneficios. Con todo, una exposición es muy satisfactoria para mí, ya que los espectadores pueden ver mis impresiones reales en lugar de una reproducción. Mi proceso de cuarto oscuro requiere bastante trabajo, pero es un trabajo de amor.

Al igual que una exposición, el formato del libro permite crear una narrativa informada por la edición y secuencia del trabajo. Tiene el beneficio de tener una audiencia más amplia que la exposición, y como un pequeño objeto que se lleva a cabo, crea una experiencia visual muy íntima. Y aunque la calidad de las imágenes en línea no es, en mi opinión, la forma ideal de ver el trabajo, Internet finalmente permite que prácticamente cualquier persona descubra y vea mi trabajo.

PP: Finalmente, ¿qué tienes en proceso ahora??

KR: Actualmente estoy trabajando en tres series “que me entusiasman.

Estoy terminando con la edición de The Forest , una serie de paisajes nocturnos en blanco y negro filmados en la cordillera Selkirk en NE Washington desde 2011-2014. Es una serie autobiográfica, con los paisajes funcionando como metáfora de un espacio interior.

Plumas es una serie de cianotipos erosionados en los que he estado trabajando esporádicamente desde 2008. Las huellas están muy íntimamente escaladas, encajando en la palma de su mano. Estos fotogramas son formalmente muy escasos y simples, pero las ideas detrás de la serie son más complicadas.

Larga historia corta, la serie surgió de mis intereses en la fotografía vernácula, específicamente los retratos de estudio. Al mirar fotografías vernáculas en una tienda de antigüedades o feria de fotografía, generalmente gravito hacia retratos formales. Me sorprende la facilidad con que se pierde o desplaza un historial familiar, y las fotografías de los familiares se alejan y son encontradas por extraños. A menudo no hay información en la parte posterior que detalle la niñera, y todo lo que se puede saber sobre la persona es la historia que elaboramos a partir de los detalles presentes en la foto.

La tercera serie es bastante diferente de todo lo que he hecho, y imagino que el producto final está únicamente en formato de libro. Todavía no quiero decir demasiado al respecto, ya que es un proyecto nuevo y sigue evolucionando, pero el título es Days on the Mountain .

PP: Gracias por su tiempo, Ken.

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