Había estado ansioso por hacer una serie de fotos compuestas durante bastante tiempo. Es algo que nunca había hecho hasta este momento, pero era y actualmente soy un gran admirador de la forma de arte. He estado siguiendo a los grandes fotógrafos compuestos como Dave Hill y Drew Lundquist durante los últimos años.
Soy un aficionado, se podría decir: trabajo en una compañía llamada mOcean dirigiendo comerciales, pero tengo la suerte de poder filmar fotografías para algunos de los carteles de películas y televisión que también aparecen. Aprendí casi todo lo que sé sobre Photoshop de mis amigos en esa industria del arte clave.
Una noche, estaba viendo el episodio “Ojo del titular” de The Twilight Zone y me golpeó: debería crear un proyecto de pasión en torno a esta querida serie. Podría revivir a estos personajes icónicos a todo color. Lo primero que hice fue llamar a mi socio productor, Austin Sepulveda, y a la maquilladora, Courtney Christina.
Contenido
Preparación
Puede sonar hacia atrás, pero el presupuesto y el cronograma no fueron el primer paso de nuestra preparación. Después de todo, tenía que saber qué iba a disparar. La idea era concebir tres miniaturas de mis episodios favoritos, pero eso pronto se infló a doce. Que puedo decir?
Cada una de las miniaturas fue un bosquejo en Photoshop con fotografía e ilustración de stock. Cualquier cosa para transmitir el punto. Verás que no había ningún plan para disparar “La Odisea del Vuelo 33”. Eso sucedió después del hecho con alguna fotografía extra.
A partir de ahí, decidimos que un presupuesto manejable sería de $ 275. Las modelos tendrían que traer su propio guardarropa, pero algunas necesitarían disfraces especiales. También necesitábamos comprar o alquilar algunos accesorios clave: los anteojos rotos, el espejo de maquillaje, etc. Para los accesorios de especialidad, contactamos a todos los que podrían darnos una pista, con la esperanza de que su pasión por Twilight Zone y su simpatía por nuestro bajo presupuesto produjeran resultados. El talentoso fabricante de utilería Ryan Nagata nos prestó su escultura Invaders Spaceman para usar, y Bad Robot Productions nos permitió disparar su réplica del Mystic Seer.
Intentamos colaborar con varios maquilladores de SFX para “Eye of the Beholder”, pero nada funcionó. En cambio, recurrimos a reunir tantas fotos de referencia de máscaras de cerdo como pudimos, y luego injertarlas en la cara en Photoshop.
Fue un gran beneficio tener un productor en este proyecto que ayudara a obtener artículos mientras filmaba placas de fondo. Estábamos planeando todo el proyecto en nuestro tiempo libre, las horas de la tarde de la semana. Lo mejor de las sesiones de fotos versus los cortometrajes es que puedes agarrar una placa de fondo en casi cualquier lugar con relativa facilidad. Disparé a comensales, perchas de aviones, moteles …
La mayoría de los propietarios de tiendas fueron generosos al permitirme romper un plato rápido. Le pedí favores a mis amigos para que me dieran acceso a otros lugares, como la cabaña de troncos. El plato de la calle en “Dónde están todos?”es una foto del conjunto de metro de backlot de Universal Studios. Lo saqué de la parte trasera del tranvía turístico.
Algunos fondos eran imposibles de filmar en ese momento, así que recurrí a las imágenes de archivo. Como este es un proyecto apasionado, pude comprar todo con licencias de uso personal. Recomiendo sitios como Unsplash y Photobash para activos de composición de alta calidad como cielos o atmósfera. También utilicé varios otros paquetes de imágenes de Photobash para construir fondos, como sus colecciones Eilat Desert y Abandoned Interior.
El siguiente paso fue el casting. Una vez más, este era un presupuesto de cordón de zapatos, así que intenté elegir tantos amigos y colaboradores anteriores como sea posible. Pero todos tenían que ser correctos para el papel. Entonces, para los pocos personajes que no podía elegir con personas que conocía, recurrí a LACasting, donde encontré modelos que estaban dispuestos a trabajar gratis ya que eran fanáticos del programa.
Shoot
Limpiamos toda la sala de estar de mi departamento y configuramos un 9 ‘gris sin costuras para el rodaje. El espacio era definitivamente limitado, pero lo hicimos funcionar. Disparé con el siguiente equipo.
- 2x Einstein E640
- D800
- PlM Umbrella
- PCB Large Octabox
- Elinchrom 39 “Octa profunda
- Fotek Softlighter
- PCB Beauty Dish
Utilicé una Canon 5D Mark III y una 24-105mm L como mi lente principal. Disparé atado a Capture One a través de mi iMac 5K, que fue genial para poder ver la iluminación y la composición antes de pasar de cada configuración.
Tuvimos que movernos rápido, con 40 configuraciones de iluminación únicas durante los 2 días de rodaje. Cuando llegaba cada modelo, levantaba la miniatura PSD y hacía referencia a la luz y el color de la escena, ajustando mi configuración y la posición de la cámara en consecuencia. Me gustaría decir que tenía todas las configuraciones y opciones de modificador planificadas con anticipación, pero para ser honesto, cualquier tipo de previsión dio paso al impulso en el día. Encuentra un ritmo cuando te mueves tan rápido, y ciertas técnicas comienzan a funcionar bien, por lo que las repites. Aquí están todos los disparos RAW. Se puede decir, rápidamente descubrí que el PLM Umbrella era el favorito para la luz de fondo.
Postproducción
El primer paso de la postproducción fue preguntarme en qué demonios me metí. No podía retroceder ahora, había más de 20 personas que me dieron su tiempo y tenían grandes expectativas sobre el producto final. Comencé lanzando mis fotos favoritas a toda la competencia, formando bloqueos ásperos. Todo lo que podía pensar era en lo mal que lo había arruinado. Cómo debería haber encendido a esta persona más así. Cómo debería haber sido un ángulo ligeramente inferior en esto. Cómo debería haber filmado solo para una imagen y no doce …
Pero todo esto es normal.
No creo haber hecho un compuesto donde pensé que era oro puro desde el principio hasta el final. La mayoría de las veces, el 99% de mi energía se gasta tratando de “salvar” la pieza. Me resulta más fácil separar al fotógrafo del compositor. No puedo avergonzarme por no hacer todo bien durante el rodaje. Para eso es el aprendizaje. Necesito ser proactivo y encontrar soluciones creativas. Verá que algunos de mis primeros pulgares WIP (trabajo en progreso) son muy diferentes de la imagen final.
Pero después de algunas rondas de mover personas, intercambiar fondos y volver a escalar, finalmente encontré la mayoría de los compuestos en un buen lugar. Ahora era el momento de construir estas cosas …
Siempre disparo RAW. Intento ser lo más destructivo posible. Así que traigo mi fotografía como capas de objetos inteligentes de la cámara RAW. Puede hacer esto sosteniendo SHIFT cuando está en la cámara RAW. Eso convertirá “imagen abierta” en “objeto abierto”, lo que le da la capacidad de volver a la cámara RAW y reajustar la foto original a medida que desarrolla el compuesto.
Por lo general, pinto reflejos y sombras con curvas, pero si necesitan tener un rango de valor algo extremo, puedo eliminar fácilmente otra exposición del modelo en la cámara RAW para pintar. Hice esto en el compuesto “The Invaders” de la mujer. Ella es una mezcla pintada de aproximadamente tres exposiciones, ya que hice sus luces de borde demasiado calientes durante el rodaje.
Generalmente no querrás refinar una máscara hasta que el compuesto esté bloqueado. Me han quemado antes, perdiendo demasiado tiempo enmascarando a mano a un modelo y luego dándome cuenta de que quería usar otra toma. Pero una vez que esté listo, una vez que se haya decidido por una composición y tomas seleccionadas, hágalo. Prefiero enmascarar a mano con una tableta Wacom, generalmente un cepillo más pequeño y suave que pinto alrededor del perímetro del sujeto. Creo que esto da el mayor control: puedo emplumar más para áreas fuera de foco, por ejemplo. Para la mayoría de los cabellos, enmascararé con un cepillo muy suave y luego pintaré de nuevo con un patrón de cabello realista.
Ahora viene la composición real. Clasificación, mezcla, más clasificación, más mezcla … Utilizo humo y atmósfera MUCHO para ayudar a dar forma a la escena. Es una preferencia personal, realmente disfruto de una pieza ahumada y malhumorada.
Estoy constantemente re-coloreando y haciendo coincidir todos mis activos para acercar la escena y convertirme en una imagen más realista. Frecuentemente alterna una capa de ajuste en blanco y negro sobre todo el compuesto para verificar los niveles de valor. También es una buena manera de mantener los ojos frescos.
Después de dejar el proyecto sentado durante unas semanas, regresé para los toques finales. Aquí es donde agregué algunos brillos de última hora que ayudan a unir los elementos de primer plano y fondo. También rehice un compuesto completo en esta etapa, “La Odisea del Vuelo 33”. El compuesto original nunca funcionó para mí, y esta nueva versión fue creada en torno a otra toma del modelo. También me di cuenta de que el cabello para Rod Serling no funcionaba en absoluto. No pude posicionar ese modelo correctamente, y la parte superior de su cabeza estaba completamente ordeñada por la luz trasera. Así que me disparé el pelo como reemplazo la mañana antes de publicar la serie.
La serie de fotos terminadas
Aquí están las imágenes terminadas junto con algunos GIF animados detrás de escena que muestran cómo se construyeron:
Dónde están todos
Resumen
Cada proyecto teóricamente podría continuar para siempre. Siempre hay más ajustes por hacer, más detalles por abordar, más comentarios a considerar, etcétera, etcétera … Pero en algún momento, solo tiene que dejarlo ir. Decidí que después de seis meses, había invertido suficiente tiempo en este proyecto y estaba satisfecho con los resultados: estaban listos para ser compartidos con el mundo exterior. Por supuesto, incluso después de unos días, ya estoy viendo pequeñas cosas que cambiaría o arreglaría. Pero es contraproducente detenerse en ello. En cambio, estoy considerando todo lo que aprendí sobre este proyecto y pensando en el próximo.
¿Qué haría diferente?? Algunas cosas me vienen a la mente. Primero, evitaría la temida frase: “Lo arreglaré en Photoshop.”Nunca había estado tan frustrado con la ingenuidad de mi yo pasado. Hubo muchos casos de esto: no pudimos arreglar el cabello, alguien no se afeitó, no tenía un micrófono para el dictáfono, y así sucesivamente. Pero de estas soluciones necesarias, agregué horas a mi tiempo posterior a la producción y, diría, nunca me acerqué a la calidad que habría logrado si me hubiera tomado un poco de tiempo extra para hacer la solución prácticamente en el set.
También me centraría en menos compuestos. Puede que me haya extendido demasiado en esta serie, solo por mi pasión por el material fuente. Pero no puedo evitar pensar: si solo hubiera tres compuestos en los que centrarme, tal vez habría podido profundizar en cada imagen.
Debo admitir, finalmente, que no estaba seguro de poder lograr esto. Como dije, hacer una serie como esta fue una idea abstracta en mi cabeza durante tanto tiempo que tenía miedo de lo que significaría ejecutarla realmente. ¿Qué pasa si fallé?? ¿Qué pasaría si fuera más perjudicial para mis esfuerzos creativos que útil?? ¿Qué pasa si es una pérdida de tiempo … qué pasa si me pruebo a mí mismo que no soy capaz de esto que estoy soñando hacer … Pero lo hice de todos modos?. Animaría a cualquier persona con un proyecto de pasión en mente a hacer lo mismo. Sí, mi confianza a veces flaqueaba a los mínimos más bajos, pero al final, me dio los máximos más altos.
Sobre el autor : Michael Smiy es fotógrafo y director de cine con sede en Los Ángeles. Puede encontrar más de su trabajo en su sitio web e Instagram.